Reconocida como una de las más célebres violinistas de su generación, Elissa Lee Koljonen ha fascinado al público y a los críticos en más de cien ciudades en todo el mundo. Ms. Koljonen inicialmente fue aclamada internacionalmente cuando fue la primera en recibir el prestigioso Premio de la Henryk Szeryng Foundation y medalla de plata de la Carl Flesch International Violin Competition. Su manera de tocar fue elogiada por la Helsingin Sanomat (Helsinki) como “brillante, sensual y personal”. Dan Tucker del Chicago Tribune escribe, “Ella manifesto técnica y savoir faire musical sin límites”, e informa el Detroit News, “…Koljonen trae a su manera de tocar no sólo una técnica segura sino un propósito y confianza que no se amedrantan.”

Ms. Koljonen volvió a la Philadelphia Orchestra en Julio de 2007 tocando el Shostakovich Violin Concerto Nº 1. Otros compromisos recientes y próximos incluyen, su debut en España con James Judd y la Orquesta Sinfónica de Bilbao, actuando con José-Luis Novo y las orquestas en Annapolis and Binghamton, la Delaware Symphony, la Reading Symphony, la Kimmel Center’s Summer Solstice y la Philadelphia premiere de Behzad Ranjbaran’s Violin Concerto con JoAnn Falletta. Demás compromisos incluyen la Boston Pops, Minnesota Orchestra, Royal Philharmonic y las sinfonías de Baltimore, Cincinnati, Dallas, Detroit, Oregon, Pittsburgh, Helsinki y Seoul. Ms. Koljonen ha colaborado con prestigiosos directores como Mattias Bamert, James DePriest, Lawrence Foster, Richard Hickox, Neeme Järvi, Louis Lane, Andrew Litton, Eiji Oue y el fallecido Bryden Thompson. Sus compromisos la han llevado a algunos de los lugares más importantes del mundo, entre ellos la Vienna Musikverein, Salzburg Mozarteum, Amsterdam Concertgebouw, London’s Barbican Centre, Seoul Arts Center, Boston’s Symphony Hall, y la Academy of Music en Philadelphia.

Como recitalista Ms. Koljonen ha actuado en muchas capitals musicales incluyendo Londres, Amsterdam, Salzburgo, Seúl, Washington, D.C., Philadelphia y New York. Una actuación en 2004 en Carnegie Hall fue aclamada con una excelente crítica. También siendo una ávida músico de cámara, Ms. Koljonen aparece habitualmente en festivales en Norteamérica, Europa y Asia. Fue aclamada por su debut en el Queen Elisabeth Hall de Londres y por sus apariciones con los London Mozart Players y la Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo en un concierto especial para celebrar el 700 aniversario de la Dinastía Grimaldi.

Ms. Koljonen es una amparada del gran Aaron Rosand en el Curtis Institute of Music. A través de su influencia, ella continúa el legado y la tradición de Leopold Auer y su legendaria escuela de violín. Ella reside en Philadelphia con su esposo y sus dos niños.

“...un gran y brillante sonido, un tono afinado y un sentido seguro de estilo...[ella] toca con tal convicción y seguridad, que cuando la escuchas, en especial tocando Bach, es difícil desafiar su interpretación.”
New York Concert Review

“El concierto [Shostakovich First Violin Concerto ] se supone que haga mucho y en manos de Koljonen lo hacen todo.”
Broad Street Review (Philadelphia)

“...el sonido que ella puede recrear es precioso, penetrante con muchos matices...brillante, sensual y personal.”
Helsingin Sanomat (Helsinki, Finland)

“Fue Koljonen quien mostró, su sutileza con nota perfecta y estilo interpretativo convirtiéndola en una actuación ejemplar.”
Strad Magazine

“...no solo una técnica segura sino un propósito y confianza que no se amedrantan.”
The Detroit News

“...infinidad de oportunidades para la soloísta de presumir su brillante trabajo con los dedos y tono mordaz.”
Fort Worth Star-Telegram

“...[ella] dió al Beethoven's Violin Concerto una actuación de alta distinción, probando ser impecablemente un verdadero estilo clásico...”
Miami Herald

“...Su expresión fue atenta y su interpretación se encendió con chispas producidas por su propia personalidad...genuina, con calidez de expresión sin exageraciones.”
The Cincinnati Enquirer

Considerado uno de los directores de orquesta más prestigiosos y eminentes intérpretes de la música inglesa. Nacido en Inglaterra, Director Musical Emeritus de la New Zealand Symphony Orchestra de la que fue Director Musical durante 8 años. También ha sido Principal Director invitado de la Ochestre National de Lille en Francia y Director Musical de la Florida Philarmonic Orchestra.

Ha hecho numerosas grabaciones con la New Zealand Orchestra con obras de Copland, Bernstein, Vaughan Williams y Gershwin. Ha obtenido muchos éxitos a gran nivel internacional en numerosos conciertos como en el 2000 Summer Sydney Olympic Arts Festival, en el 2003 Auckland International Festival, o en el Osaka Festival en el Millenium Concert con Kiri Te Kanawa como solista. Con esta misma orquesta hizo una gira por Europa que incluyó los BBC Proms y el Concertgebouw de Amsterdam en Agosto de 2005.

Ha grabado la 9ª Sinfonía de Mahler con la Gustav Mahler Youth Orchestra la 10ª con la European Community Youth Orchestra y la 1ª Sinfonía de Elgar con la Hallé Orchestra. Ha grabado las sinfonías de Brahms con la Royal Philarmonic Orchestra para el sello Tring y para Naxos obras de Copland, Steve Reich, Takemitsu, Gershwin and Bernard Herrmann, así como las obras de compositores tales como Elgar, Lilburn, Vaughan Williams, Tippett, con la BBC National Orchestra of Wales, la Royal Liverpool Philharmonic, London Philharmonic, Residentie Orchestra de La Haya, Ensemble Orchestral de Paris, New Japan Philharmonic, Singapore Symphony y Filarmónica de Seúl, orquestas que dirige con regularidad. Graba para los sellos Phillips, Nuova Era, Novalis, Capriccio y Pickwick y las óperas completas de Meyerbeer y Donizetticon para Opera Rara.

Estudió en el Trinity College de Londres. Empezó su carrera como Director Asistente de la Cleveland Orquesta invitado por Lorin Maazel. Cuatro años después regresó a Europa después de su nombramiento como Director Musical Asociado de la European Community Youth Orchestra invitado por Claudio Abbado.

Desde entonces, James Judd ha dirigido la Berlín Philharmonic Orchestra, Israel Philharmonic, Vienna Symphony, Gewandhaus Orchestra de Leipzig, Salzburg Mozarteum, Musikverein de Viena, Orquesta Sinfónica de Praga, Orchestre National de France, Orchestre de la Suisse Romande, Zurich Tonhalle, Monte-Carlo Orquesta, Filarmónica de Rotterdam, Flemish Radio Orchestra, Orquesta Mozarteum de Salzburgo, Hamburg Symphony Orchestra y Jerusalem Symphony Orchestra.

Ha dirigido en la English National Opera Il Trovatore, La Traviata, Il Barbiere di Siviglia, Rigoletto, y Le Nozze di Figaro; y en el Festival de Ópera de Glyndebourne La Cenerentola de Rossini.

Además, dirige con frecuencia a todas las grandes agrupaciones británicas, incluyendo la London Philharmonic, Royal Philharmonic, Hallé Orchestra, BBC National Orchestra of Wales, English Chamber Orchestra. James Judd es co-fundador de la Orquesta de Cámara de Europa que ha dirigido por todo Estados Unidos y Europa.

En Agosto de 2008 hizo una larga gira con la Asian Youth Orchestra en Europa y volverá nuevamente a Japón a dirigir la NHK Symphony de Tokio, así como la Seoul Philharmonic Orchestra, la Royal Scottish National Orchestra, la BBC National, la Ensemble Orchestral de París entre otras. También dirigirá nuevamente la London Philharmonic Orchestra, así como un concierto con la Philharmonia of the Nations como homenaje a Karajan.

Con 14 años en el puesto de Director Musical de la Florida Philharmonic Orchestra, James Judd forma parte de la historia de la creación de una de las orquestas de más éxito de Estados Unidos. Ha grabado numerosas obras con esta orquesta con muchísimo éxito. El CD dedicado a Mahler fue nombrado “Recording of the Month” por Stereophile. También recibió la Medalla de Oro otorgada por la Diapason de Francia.

En EE.UU es invitado frecuentemente para dirigir las orquestas de Cincinnatti, Pittsburgh, Dallas, Seattle, Indianapolis, Utah así como Vancouver, Ottawa y Montreal.

Es invitado muy frecuentemente para dirigir en España habiendo obtenido un enorme éxito con la Orquesta Ciudad de Barcelona recientemente.

El Maestro Judd reside en Florida con su esposa Valerie y su hija Carissa.

Director Titular y consejero artístico de la Malaysian Philharmonic Orchestra, Matthias Bamert combina esta función con una ocupada agenda de compromisos como director invitado alrededor del mundo. En Europa, ha sido invitado para dirigir orquestas como la Orchestre de Paris, Orchestre National de France, Salzburg Mozarteum Orchestra, Netherlands Chamber, Residentie Orkest The Hague, MDR Leipzig, Berlin Symphony, Helsinki Philharmonic, Oslo Philharmonic, St Petersburg Philharmonic, Madrid RTVE, Orquesta Nacional de España y Barcelona Opera Liceu, entre otras. En Norteamérica, dirige frecuentemente a la Pittsburgh Symphony, Los Angeles Philharmonic, Houston Symphony, Montreal Symphony, Toronto Symphony, St Louis Symphony, y esta temporada volverá a la Cleveland Orchestra y Seattle Symphony y también dirigirá a la Minnesota Orchestra. Bamert es invitado frecuente para dirigir en el Lejano Oriente y Australia, dirigiendo conciertos en Japón con la NHK Symphony, Hong Kong Philharmonic, New Zealand Symphony, y la Sydney y Melbourne Symphony Orchestras, entre otras.

Ha sido Director Musical de London Mozart Players durante siete años. Ha creado una serie de grabaciones de obras de gran éxito de “Contemporaries of Mozart” que ha excedido ya las 50 sinfonías. En 1999, en el 50 aniversario de esta Orquesta, hicieron juntos conciertos en los famosos Proms de la BBC del Albert Hall de Londres, en Viena y en el Festival de Lucerna, regresando con ellos a Japón en Enero de 2000. Ha dirigido frecuentemente en salas de conciertos y en estudios de grabación a orquestas tales como la Philharmonia, London Philharmonic y la BBC Symphony Orchestra, y también en varias ocasiones ha regresado a los Proms de Londres. Es invitado frecuentemente para dirigir la BBC Philharmonic y la City of Birmingham Symphony Orchestra.

Principal director invitado de la Royal Scottish National Orchestra y Director del Festival de Música contemporánea Musica Nova de 1985 hasta 1990, Bamert se dio a conocer por su programación innovadora y ha dirigido los estrenos mundiales de obras de numerosos compositores como Takemitsu, Casken, Macmillan y Rihm.

Bamert tiene registrados más de 80 discos, muchos de ellos premiados internacionalmente, y ha seguido grabando extensamente con Chandos Records, incluyendo un amplio repertorio incluyendo contemporáneos de Mozart con London Mozart Players, Parry (las sinfonías completas) y Frank Martin (5 discos) con la London Philharmonic, las sinfonías de Roberto Gerhard con la BBC Symphony Orchestra, comopositores holandeses con la Residentie Orchestra, y las transcripciones de Stokowski, Korngold y Dohnanyi con la BBC Philharmonic.

Nacido en Suiza y director musical de la Swiss Radio Orchestra en Basel entre 1977 y 1983, reside en Londres desde 1987. Durante sus primeros años de estudiante estuvo en América del Norte donde fue asistente de George Szell y de Leopold Stokowski. También ha sido director asistente de Lorin Maazel en la Cleveland Orchestra.

Su legendario estilo y excepcional talento, tanto como director como en el piano, le han proporcionado el éxito de la crítica y el público en seis continentes con actuaciones en todas las grandes salas de conciertos del mundo.

Ha actuado como solista y director con las más famosas orquestas del mundo, desde la Filarmónica de Berlín o la NHK de Japón, a las orquestas de Cleveland, San Francisco, Minnesota, Dallas, Montreal y Filadelfia, la Orquesta Nacional de Francia, The Academy of Saint Martin in the Fields, The Royal Philharmonic Orchestra, la Filarmónica de Nueva York y las Sinfónicas de Boston y Chicago, entre otras. Es director artístico y fundador del Festival de Música de Santo Domingo, que comenzó con gran éxito en marzo de 1997. En el 2002, es nombrado Director Invitado Principal de la Shangai Broadcasting Symphony Orchestra.

Ha sido Director Principal de la Orquesta de Cámara Holandesa y de la Orquesta de Cámara de Israel, de la cual es director laureado. En la actualidad es además director laureado de la Orquesta de Cámara de Viena, después de haber sido director musical de esta orquesta durante muchos años. En 2004, Philippe Entremont fue nombrado Director Invitado Principal de la Munich Symphony Orchestra. Ha hecho giras por América y Europa. En 2006, para el año de Mozart, dirigió la Super World Orchestra de Tokyo.

Fue invitado por la Manhattan School of Music en Nueva York, la Buffalo Philharmonic, además de sus compromisos con orquestas en Canadá, Ohio, Delaware, Virginia, Georgia y Florida. En Europa ha dado recitales y dirigido conciertos en Italia, Alemania, España y Holanda. Dirigió la Flemish Radio Orchestra en una gira por América e hizo una gira por Asia en la que, entre otras, dirigió la Nagoya Philharmonic Orchestra y dirigió y tocó con la Hong Kong Philharmonic.

El Maestro Entremont dirige frecuentemente en Escandinavia, América, Alemania, etc., orquestas sinfónicas y de Cámara como la Wiener Kammer Orchester.

Ha grabado más de 100 discos, con importantes sellos como CBS Sony, Teldec y Harmonia Mundi, por los que ha recibido numerosos premios.

Entre sus grabaciones más recientes se encuentran las obras completas de Ravel para piano solo, el concierto de Piano nº 1 de Tchaikovsky y dos conciertos de piano de Mozart, tocando y dirigiendo la Munich Symphony Orchestra.

Ha recibido numerosas condecoraciones y premios, como el Grand Prix du Disque, el premio Edison de Holanda y una nominación para el Grammy. Oficial de la Legion d´Honneur, ha recibido también la Cruz de Primera Clase de Honor para las Artes y Ciencias de Austria.

Miguel Ituarte nace en Getxo (Vizcaya). Estudia en Bilbao con Isabel Picaza y Juan Carlos Zubeldia, y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Almudena Cano, obteniendo el Premio de Honor de Fin de Carrera.

Posteriormente amplía su formación musical y repertorio pianístico en el Sweelinck Conservatorium de Amsterdam con Jan Wijn, donde recibe el diploma de concertista “con distinción”. En este centro se familiariza también con el clave, estudiando con Anneke Uittenbosch. Asimismo, dedica períodos de estudio al repertorio organístico español de los siglos XVI al XVIII sobre instrumentos históricos de Castilla, realizando diversos conciertos en la Academia Internacional del Órgano Ibérico creada por Francis Chapelet.

Ha participado en los cursos de la Fundación Pianística Internacional de Lago de Como (Italia), la Escuela Reina Sofía de Madrid (estudiando con Dimitri Bashkirov) y las clases magistrales de diversos pianistas, entre ellos Maria Joao Pires, Alicia de Larrocha y Paul Badura-Skoda, habiendo recibido también consejos de Maria Curcio.

Ha obtenido, entre otros, los primeros premios en los concursos internacionales “Ciudad de Ferrol”, “Jaén” y “Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero”. Ha recibido, además, diversos premios por sus interpretaciones de música española (cuyo repertorio abarca desde Antonio de Cabezón hasta estrenos de obras nuevas): “Rosa Sabater”, “Manuel de Falla”, así como los de las fundaciones Guerrero (en dos ocasiones) y Hazen. En Enero de 2000 abrió el primer Ciclo de Grandes Pianistas del Auditori de Barcelona con “Iberia” de Isaac Albéniz.

Fue premiado en el Concurso de la Comunidad Europea celebrado en 1991, y finalista en el Concurso Internacional de Santander de 1995. En sus programas de concierto ha incluido con frecuencia algunas de las más grandes obras del repertorio de teclado (las Variaciones “Goldberg” de J.S. Bach y los doce Estudios de Debussy, entre otras), así como música menos frecuente (las seis Sonatas de Manuel Blasco de Nebra, los Preludios y Fugas de Mendelssohn, obras de Karol Szymanowski, etc.).

Los compositores Jesús Rueda, Zuriñe F. Gerenabarrena, José María Sánchez Verdú y José Zárate le han dedicado obras pianísticas.

Ha realizado grabaciones para Radio y Televisión Españolas, y AVRO de Holanda; recitales en España, Portugal, Francia, Holanda, Alemania, Suiza, Italia y Polonia. Como solista, ha actuado con la Orquesta de Cámara del Concertgebouw de Amsterdam, Royal Philarmonic de Londres, Sinfónica de la RTV de Luxemburgo, Filarmónica Schleswig-Holstein de Hamburgo, Orquesta Gulbenkian de Lisboa y Clásica de Oporto, así como numerosas de España y Sudamérica.

En el campo de la música de cámara, ha actuado con los cuartetos Takaks y Ortys. Como miembro del trío “Triálogos” (junto a Manuel Guillén y Ángel Luis Quintana) grabó la integral de los tríos con piano de Beethoven para el Canal Digital de Televisión Española. Ha participado en el disco “Música de cámara actual” del sello Verso, interpretando con el acordeonista Iñaki Alberdi obras de Jesús Torres y Gabriel Erkoreka. Actualmente trabaja con la soprano Cecilia Lavilla Berganza y el pianista Iosu Okiñena.

Es profesor de Piano en Musikene (Centro Superior de Música del País Vasco) desde su creación en 2001. Ha ofrecido, también, seminarios sobre Bach (“El clave bien temperado” y las Suites para teclado) y Beethoven (las Sonatas para piano), principalmente en Musikene y en la Universidad de Alcalá de Henares.

Nací en Barcelona en 1947. La música era algo muy importante y cotidiano en mi ambiente familiar desde que tengo recuerdo. No era habitual en esta época en España. Sin duda esta circunstancia y el hecho de que mis padres, sin ser músicos de profesión, me apoyaran incondicionalmente tanto emocionalmente como económicamente me ha permitido disfrutar de este oficio toda la vida.

En mi juventud gané algunos concursos. Los internacionales de Jaén en 1977 y Santander en 1978 me ayudaron a empezar a ser conocido en España; mucho más tarde el Ministerio de Cultura de España me otorgó el Premio Nacional de Música que tengo en especial estima por deberlo al aprecio de mis colegas de profesión. En los años 80 mi actividad pública aumentó poco a poco y actualmente toco regularmente con prácticamente todas las orquestas españolas con muy buenos directores, así como en recital y música de cámara en los principales festivales y auditorios. También fuera de las fronteras mantengo una notable actividad, particularmente en Francia donde viví bastante tiempo en los años 70, estudiando en l'Ecole Normale de Musique, fundada por Alfred Cortot y donde he grabado la mayor parte de mi discografía para el sello "Mandala" con música de autores tan diversos como Brahms, Franck, Blasco de Nebra, Mompou, Falla... Recientemente el sello RTVE ha editado un Dvd con el tercer concierto de Prokofiev y un Cd con obras de Chopin, Debussy y Ravel, grabaciones en vivo del archivo de Radio Clásica dentro de la serie "Grandes pianistas españoles". Definitivamente prefiero las grabaciones en vivo aunque sean más imperfectas. Son más reales.

Muchos músicos han influido e influyen en mi evolución musical. Quiero destacar en mis comienzos a mi tía Rosa Colom que me dio confianza y me contagió su entusiasmo por la música, y al compositor (y por entonces también pianista) Joan Guinjoán que en mis 19 años me ayudó a desarrollar una manera de abordar la música y la ejecución pianística mucho más racional y estructurada.

Un pasado de gran timidez y un temperamento reservado hacen que mi mundo sea el recital y la música de cámara, aunque no he sabido renunciar a las ocasiones de disfrutar de las maravillas del repertorio con orquesta. No quiero iniciar una lista de las orquestas, directores, cuartetos y músicos en general con los que he compartido grandes momentos porque inevitablemente olvidaría a muchos y todos tienen o han tenido importancia para mí.

La pedagogía se ha convertido poco a poco en algo muy valioso y en una ocasión, gracias al contacto con los músicos más jóvenes, de renovar una y otra vez el entusiasmo por el redescubrimiento del gran repertorio. Además de impartir regularmente clases magistrales, enseño desde su fundación en 1990 en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares y hace unos años colaboro en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona y en el Conservatorio Superior de Zaragoza.

Hacer música es un gran privilegio y doy gracias a todas las personas que se han desplazado para compartir lo que para mí es un milagro cotidiano.

Adrian Leaper ha sido Director Principal y Director Artístico de la Orquesta Sinfónica y Coros de RTVE durante los últimos nueve años de reconocido gran éxito. Anteriormente fue Director Principal de la Orquesta Filharmonía de Gran Canaria durante ocho años, hasta que tomó posesión de su cargo como Director Principal en Madrid en 2001.

Su exitosa carrera comienza cuando fue nombrado Director Asistente de la Orquesta Hallé en Manchester durante cinco años, donde realizó habitualmente cerca de 30 conciertos por temporada. La pasada temporada ha vuelto a dirigir la Orquesta Filarmónica de Varsovia y ha hecho su debut con la Orquestra Nacional do Porto. También ha dirigido en Escandinavia compaginando todo ello con la temporada de conciertos en Madrid. Sus futuros compromisos incluyen proyectos en Japón, India y España.

Adrian Leaper ha dirigido las cuatro orquestas más relevantes de Londres, las Orquestas Sinfónicas de Moscú, Viena y Praga, así como muchas otras de Reino Unido, Alemania, Polonia, la República Checa, y Noruega. También ha dirigido orquestas de la categoría de L’Orcheste de la Suisse Romande de Suiza, la Malmö Symphony Orchestra de Suecia, la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, la National Philharmonic Orchestra de Polonia, la Royal Liverpool Philharmonic y la Malaysian Philharmonic Orchestra, además de trabajar por toda España en orquestas como la Orquesta Ciudad de Sevilla, Orquesta Ciudad de Málaga y Real Orquesta de Galicia.

El repertorio del Maestro Leaper ha ido aumentando a lo largo de los años y va más allá de las piezas clásicas del repertorio abarcando Sibelius, Janácek, Elgar, Dvorák, y Mahler habiendo desarrollado también cierta empatía con la música de los compositores españoles. Además ha obtenido bastante éxito con piezas como “La Consagración de La Primavera” de Stravinsky, “El Mandarín Maravilloso” de Bartók, “Los Frescos de Piero della Francesca” de Martinu, la Sinfonía nº 1 de Shostakovitch y “Jenufá” de Janácek con Eve Urbanova y Nancy Gustaveson.

También ha trabajado en numerosas ocasiones con artistas de la talla de Mstislav Rostropovich, Felicity Lott, Garrick Ohlsson, Rudolf Buchbinder, Mischa Maisky, Frank Peter Zimmermann, Alicia de Larrocha, Pierre Amoyal, Ernst Kovacic, Cho-Liang Lin y Anne-Sofie von Otter, entre otros.

Adrian Leaper posee un extenso catálogo discográfico con más de 80 CDs a lo largo de su carrera, la mayor parte de los cuales han sido editados para sellos como Arte Nova, ASV, Naxos/Marco Polo y La Mota de Polvo. Sus grabaciones abarcan desde piezas básicas de repertorio orquestal incluyendo las sinfonías de Mahler, Sibelius, Nielsen y Dvorak, las piezas fundamentales del elenco de compositores rusos y centroeuropeos y piezas clásicas del repertorio inglés.

Para ASV ha grabado música española del Siglo XX, entre las cuales están primeras grabaciones de obras de Granados, Ernesto Halffter, Rodo, Obradores y Conrado del Campo.

Nacido en Barcelona en 1976, fue en 2005 el primer director español en trabajar como director invitado en Hong Kong, debutando con gran éxito en el panorama internacional al frente de la City Chamber Orchestra of Hong Kong. Desde entonces ha dirigido importantes orquestas, como la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica, la Orquesta Sinfónica de Xalapa (Méjico), la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española o su debut en Londres el pasado año, donde la revista inglesa Musical Opinion, calificó de brillante su debut en el emblemático Cadogan Hall Londinense al frente de la prestigiosa Royal Philharmonic Orchestra.

Carlos Checa, ha trabajado además como director invitado con la Orquesta Sinfónica Málaga, Orquesta Sinfónica de Extremadura, Orquesta de Córdoba, la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, Orquesta Sinfónica de Ciudad Real, Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta Manuel de Falla, Orquesta Sinfónica de Baleares “Ciudad de Palma” y Joven Orquesta Nacional de España.

Se inició en la dirección a los 17 años, dirigiendo una composición propia para coro y orquesta. Estudia en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona y obtiene bajo la tutela del maestro Albert Argudo las máximas calificaciones. Se especializa además en composición, instrumentación y pedagogía musical, estudia piano, oboe y violín y amplia su formación como director con los maestros Antoni Ros Marbà, Kurt Masur, Francesc LLongueres y George Pehlivanian.

Carlos Checa ha trabajado junto a célebres solistas como XueFei Yang, Cinthya Luff, Elena Anguelova, Alejandro Friedhoff o José Menor; ha grabado para Radio Nacional de España, Televisión Española y RTHK China y es actualmente director artístico del Festival Internacional de Música Serranía de Cuenca.

En los próximos meses tiene compromisos con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, Orquesta Sinfónica de Baleares, Wroclaw Pilharmonic, Pomeranian Philharmonic in Bydgoszcz, Orquesta Simfònica del Vallès,Opera and Philharmonic in Bialystok y Cracow Philharmonic.

Director titular de la Orquesta Sinfónica de Odense donde obtiene enormes éxitos de crítica y público. Particularmente notable ha sido su interpretación de las sinfonías de Elgar, Schumann, Shostakovich, Beethoven, Dvorak y Mahler.

Considerado como uno de los mejores directores de su generación, Paul Mann destaca por su amplio repertorio y su versatilidad. Ha sido invitado en numerosas ocasiones para dirigir las orquestas de Melbourne Symphony, West Australian Symphony, Tasmanian Symphony, Adelaide Symphony y la Queensland Orchestra en Australia, la Auckland Philharmonia en Nueva Zelanda y la Malaysian Philharmonic. Ha dirigido recientemente las orquestas Bergen Philharmonic, Luxembourg Philharmonic, Netherlands Radio Philharmonic, St Petersburg Philharmonic, RAI Torino, Orchestra dell’Arena di Verona, Radio Flamenca, Copenhagen Philharmonic, Orchestre de Bretagne, las BBC Orchestras, City of Birmingham Symphony, Hallé, Royal Scottish National y la Britten Sinfonía.

Viaja frecuentemente a Estados Unidos donde dirige regularmente como invitado por el New York City Ballet, tanto en Nueva York como en su sede de verano en Saratoga Springs y en Los Ángeles. Habiendo dirigido también las Orquestas de Colorado, New México y la Oregon Symphonie.

Estudió en la Chetham’s School of Music y en la Universidad de York y comenzó su carrera como pianista y músico de cámara. Recibió el primer premio en el Concurso de Dirección Donatella Flick que le llevó a la London Symphony Orchestra como asistente de dirección. A esto le siguieron dos años como asistente en la Bournemouth Symphony Orchestra durante los cuales dirigió más de 80 conciertos.

Debutó en Londres con la London Symphony Orchestra haciendo grabaciones con dicha orquesta posteriormente en 1999. Algunos proyectos especiales incluyeron el Concierto del Centenario de Duke Ellington en la sala Barbican con Wynton Marsalis que fue transmitido en directo por la BBC Radio 3, y una colaboración célebre con el legendario grupo de rock Deep Purple en dos actuaciones ampliamente aplaudidas del Concierto de Jon Lord’s para la Banda y Orquesta en el Royal Albert Hall.

Ha realizado numerosas grabaciones, en especial para Decca, Warner Classics, EMI Bridge y Da Capo con Orquestas como la London Symphony, la English Chamber Orchestra, Melbourne Symphony y la Odense Symphony.

En España debutó con la Orquesta Ciudad de Barcelona hace 2 años, fue muy grande el éxito de crítica y público que por lo que fue re-invitado inmediatamente para hacer una gira de conciertos con dicha orquesta en octubre de 2009.

Ha dirigido recientemente el MESÍAS con la Orquesta del Principado de Asturias en Oviedo y Gijón con gran éxito por lo que fue invitado nuevamente para dirigir esta orquesta durante la temporada 09-10 con un programa Mendelssohn. Y nuevamente regresará con dicha orquesta en Octubre de 2010.

Ha dirigido otras orquestas en España como son la Orquesta de Bilbao también con mucho éxito donde regresará en un próximo futuro. También ha dirigido la orquesta ciudad de Granada, la Real Orquesta Sinfonica de Sevilla.

Nació en Debica, Polonia. Inició sus estudios de Composición con Franciszek Skolyszewski. Posteriormente, estudió con Artur Malawski y Stanislaw Wiechowicz en el Conservatorio de Cracovia, y se graduó en 1958, siendo nombrado entonces profesor del citado Conservatorio. En 1968, la German Academic Exchange Organisation le concedió una beca y en 1972 fue nombrado Director del Conservatorio de Cracovia.

Penderecki hizo su debut internacional en 1959 en el Festival de Otoño de Varsovia, con "Strophen", una de las tres obras que obtuvieron los Primeros Premios en el Segundo Concurso Nacional para Jóvenes Compositores. Las otras dos obras fueron "Psalms of David" y "Emanations".

En 1959, compuso "Threnody for the Victims of Hiroshima", una de sus mejores composiciones, por la que recibió el premio "UNESCO". También obtuvo un gran reconocimiento en 1960 en el Donaueschinger Musiktage con "Anaklasis", en 1961 con "Polymorphia, Phonograms y Psalm" y en 1966 con "La Pasión según San Lucas", la primera obra importante de su carrera, que fue elegida por la West German Radio de Colonia para celebrar el 700 Aniversario de la Catedral de Munster, con un enorme éxito de público y crítica.

En 1967, compuso y estrenó otra importante obra coral "Dies Irae", también conocida como el Oratorio de Auschwitz. En 1968-1969, Penderecki escribió su primera ópera, "The Devils of Loudun" para la Hamburg State Opera, siendo el debut en 1969, y a partir de entonces se ha representado, televisado, retransmitido y grabado en numerosas ocasiones. Su siguiente trabajo importante fue "Utrenya". El estreno de la primera parte, "The Entombment of Christ", fue en la Catedral de Altenberger en 1970 y la segunda parte, "The Resurrection of Christ", en la Catedral de Munster, un año más tarde. En 1970 escribió otra obra para las Naciones Unidas, la cantata "Cosmogonia", que fue muy aclamada. En 1971 compuso "De natura sonoris Nº2" para Zubin Mehta.

A partir de 1972, Penderecki empieza su carrera como Director, habiendo dirigido a las orquestas más importantes del mundo. Entre 1972 y 1978 fue profesor de la Escuela de Música de la Universidad de Yale. Penderecki completó su Sinfonía Nº1 en 1973, y dirigió su estreno en Peterborough, Inglaterra. Además, compuso "Canticum Canticorum Salomonis" y escribió "Magnificat" una de sus obras más importantes para bajo, conjunto coral, dos coros mixtos y orquesta.

El estreno de su segunda ópera "El Paraíso Perdido" se realizó en la Lyric Opera de Chicago en 1978. En 1979 dirigió una nueva producción de esta ópera en el Teatro de La Scala de Milán, siendo invitado por el Papa Juan Pablo II para dar un concierto en el Vaticano. El estreno mundial de su Concierto Nº1 para Violín y Orquesta tuvo lugar en Basilea en 1977, con Isaac Stern como solista.

En 1980 estrenó su obra "Te Deum" para solista, coro y orquesta en Asis, con un gran éxito, que dirigió nuevamente al año siguiente en Nueva York, Berlín, Varsovia y París. En 1983 dirigió la premier de su Concierto Nº 2 para Cello y Orquesta, con la Berlin Philharmonic y Mstislav Rostropovich como solista y en ese mismo año fue el estreno del Concierto para Viola y Orquesta, en Caracas.

En 1984 estrenó el "Requiem Polaco" en conmemoración del XIV Aniversario de la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Esta importante obra coral está desde entonces en los programas de los teatros de concierto internacionales.

El estreno mundial de la tercera ópera de Penderecki, "La Máscara Negra" tuvo un enorme éxito en el Festival de Salzburgo de 1986, que se representó nuevamente en Viena y en Estados Unidos.

En 1987 dirigió el estreno de su obra coral "Song of Cherubim" en Washington D.C., con motivo de cumplir Mstislav Rostropovich 60 años. En este mismo año recibio el Premio "Karl-Wolf" de la Israel Wolf-Foundation. En 1988, la National Academy of Recording Arts and Sciences le otorgó el Premio "Grammy" por su Concierto Nº2 para Cello, que fue también grabado por ERATO. En 1989, Lorin Maazel dirigió su Sinfonía Nº4, en conmemoración del Bicentenario de la Revolución Francesa.

En 1991 fue el estreno de su cuarta ópera "King Ubu" en la State Opera de Munich. En 1992 se estrenó Sinfonietta en Varsovia, con la Sinfonia Varsovia, bajo su dirección. En ese mismo año, en el Easter Music Festival de Lucerna, se estrenó su obra coral "Benedicamus Domino". También en 1992, fue el estreno de su Sinfonía Nº5 en Seul y en 1993 el Concierto para Flauta, con la Orchestre de Chambre de Lausanne. En 1992 terminó "Benedictus" y "Sanctus" (la parte final del Requiem Polaco), cuyo estreno fue en 1993 con la Royal Philharmonic de Estocolmo.

En 1995, Penderecki terminó y estrenó su Concierto Nº2 para Violín en Leipzig con la MDR Orchestra, dirigida por Mariss Jansons, y también, en este año, fue la premier de su Sinfonía Nº3, con la Munich Philharmonic Orchestra de Munich, bajo su batuta.

Como Director, ha estado al frente, entre otras, de la Berliner Philharmoniker, New York Philharmonic, Los Angeles Philharmonic, Philadelphia Orchestra, Orchestra della Scalla, Munchen Philharmoniker, Wiener Synphoniker, Santa Cecilia de Roma, NKH de Tokio, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, etc. Es además Principal Director Invitado de la NDR de Hamburgo, de la Orquesta de Leipzig y Director Artístico del Festival Casals de Puerto Rico.

Penderecki ha recibido entre otros muchos galardones el Premio Príncipe de Asturias en el 2001, Prix Italia (dos veces), el Gran Premio de las Artes de la región del Rhin-Westfalia, el Premio Nacional de Composición de Polonia, el Arthur Honegger, etc.

Desde 1972 es Director de la Academia de Música de Cracovia. Entre 1973 y 1978 fue Profesor Invitado en la Universidad de Yale. Ha sido distinguido con el Doctorado Honoris Causa por numerosas Universidades, entre ellas la Complutense de Madrid, Belgrado, Georgetown. Es miembro de Academias tan prestigiosas como la Royal Academy of Music de Londres, la Academia de las Artes de Berlín, etc.

Helmuth Rilling nació en 1933 en Stuttgart es director, pedagogo y embajador mundial de J.S. Bach.

En 1954 Helmuth Rilling fundó el Coro Gächinger Kantorei y 11 años más tarde en 1965, fundó el Bach Collegium Stuttgart. A partir de entonces, Rilling comenzó a trabajar intensivamente en las obras de J.S. Bach. Además ha sido un ferviente defensor de la hasta ahora olvidada música coral romántica, así como de la música coral contemporánea.

Bien como director de sus propios conjuntos o como director invitado, actúa asiduamente en los escenarios más importantes de Europa, Estados Unidos y Canadá. Cabe destacar su especial relación de 25 años de duración con la Israel Philharmonic. Igualmente, desde 1970 es Director Artístico del Oregon Bach Festival, que desde entonces se ha convertido en uno de los más prestigiosos de Estados Unidos.

Continuando su pasión por Bach, en 1981 fundó la Internationale Bachakademie Stuttgart, dedicada a la divulgación de la música de Bach a través de conciertos, clases magistrales, foros a nivel internacional, etc., además de promover proyectos anuales especiales como la Stuttgart Bach Week y el European Music Festival Stuttgart. Para Rilling es especialmente importante el apoyo a jóvenes músicos y en 2001 fundó el “Festival Choir and Orchestra of the European Music Festival Stuttgart“, para talentos musicales de 25 nacionalidades.

Combina su actividad como director con la pedagogía, habiendo concebido un sistema de “concierto-clase” en el que dice que “se asoma por encima del hombro del compositor” mientras explica al público asistente algunos de los aspectos de la obra de un compositor a través de los ejemplos musicales.

Son testimonio de su incansable actividad cientos de grabaciones en CDs, radio y televisión. Entre 1970 y 1984 fue el primer músico en grabar todas las Cantatas de Bach. Durante el Año Bach en 2000, capitaneó el titánico proyecto de la International Bachakademie de grabar la integral de Bach en 172 CDs, un proyecto que ha recibido el mayor reconocimiento internacional. Entre los muchos premios recibidos por Helmuth Rilling, cabe destacar el Premio Internacional de la UNESCO en 1994 y el Theodor Heuss en 1995. En 2003 fue nombrado Miembro Honorario de la American Academy of the Arts and Sciences. Obtuvo un Premio Grammy en 2000 por su grabación del Credo de Krzystof Penderecki y fue nuevamente candidato a uno de estos premios en 2001 por su grabación de Deus Passus de Wolfgang Rihm.

En Enero 2006, Helmuth Rilling fue Director Invitado con la Israel Philharmonic Orchestra por tres semanas dando conciertos con el coro Gächinger Kantorei en Tel Aviv, Jerusalem y Haifa. Anteriormente, dirigió la Misa en Do menor en Nueva York en 2005.

Sus actuaciones en 2006 le llevaron a dirigir a Washington, Praga, Chicago y Caracas, así como a Italia, Canadá, Polonia y Hungría. A principios de 2007, Helmuth Rilling actuó de nuevo en el Carnegie Hall, Nueva York dirigiendo La Pasión según San Mateo de Bach. Ese mismo año fue invitado a Italia, España, Dinamarca, Suiza y Eslovaquia. Durante el festival “Europäisches Musikfest” de Stuttgart 2007, Helmuth Rilling dirigió el Requiem de Guerra de Benjamin Britten.

En los últimos años ha dirigido conciertos por el mundo entero y su actividad continúa siendo extraordinaria. Nuevamente ha regresado a Roma, la Basílica de San Pedro (Milán) y Taipei. Sus compromisos para el 2009 incluyeron conciertos con el coro Gächinger Kantorei y la New York Philharmonic Orchestra y también conciertos con la Israel Philharmonic Orchestra.

Rilling recibió el premio “Schwäbisch Gmünd European Church Music Award” así como el “Georg-Friedrich-Händel-Ring” de Verband Deutscher Konzertchöre, la medalla de oro de “Staufer”, el mayor premio de Baden-Württemberg.

Sus recientes grabaciones publicadas incluyen obras de Haydn, Händel y Gubaidulina. Así como el “Requiem de Guerra” de Britten.

Director Titular y Artístico de la Sinfónica de Québec en Canadá desde hace 10 años. Es bien conocido y apreciado a ambos lados del Océano Atlántico.

Es el Principal Director invitado de la Tel Aviv Chamber Orchesta. En marzo 2008 Maestro Talmi dirigió la 8º sinfonía de Mahler (sinfonía de los mil) con motivo del 400 aniversario de la ciudad de Quebec; se reunieron entre las orquestas, los 15 coros y ocho solistas la suma de 1000 personas bajo la dirección del maestro Talmi para este impresionante espectáculo que atrajo a más de 12.000 personas.

En Europa el Maestro Talmi ha dirigido todas las orquestas más importantes de Londres, ha dirigido la Filarmónica de Berlín, el Concertgebouw de Ámsterdam, las Orquestas Filarmónicas de San Petersburgo, Oslo, Estocolmo, Varsovia y las Orquestas Sinfónicas de Viena, Praga y Hamburgo y también Orquestas como la Nacional de Francia, Tonhalle de Zurich, Santa Cecilia de Roma, las Orquestas más importantes de Inglaterra y las Orquestas de la Radio de Francia, Italia, España, Alemania, Israel, Holanda, Bélgica, Finlandia, Polonia y Suiza, así como la NHK Symphony de Tokio. También ha dirigido en varias ocasiones la Sinfónica de Montreal.

En Norte América ha dirigido las Orquestas de Pittsburgh, Detroit, Saint-Louis, Houston, Montreal, Indianápolis, Dallas, Seattle y Vancouver, así como New York Chamber Symphony, Orchestra of St Luke’s, Los Angeles Chamber Orchestra y Ottawa’s National Arts Centre Orchestra – entre otras.

Durante el verano Yoav Talmi es invitado frecuentemente a Festivales como el de Bergen, Helsinki, Jerusalem, Aspen Music (EEUU), Festival Lanaudiere de Montreal, Chautauqua Festival (Nueva York.), Waterloo Festival (Nueva Jersey) y al Festival Mostly Mozart de Houston.

El Maestro Talmi ha sido Director Musical de la Filarmónica de Arnhem en Holanda [1974-1980], Director Principal Invitado de la Filarmónica de Munich [1979-80], Director Musical de la Orquesta de Cámara de Israel y de la Nueva Opera de Israel [1984-88], Director Musical de la Sinfónica de San Diego [1989-96] y Director Principal de la Sinfónica de Hamburgo en Alemania (2000-2004).

Nacido en Israel, Yoav Talmi se graduó en la Academia Rubin de Música en Tel Aviv y en el Juilliard School de Nueva York, en ambos, como director y compositor. Recibió el Koussevitzky Memorial Conducting Prize al Mejor Director en el Festival de Tanglewood (1969) y el Rupert conductor´s competition en Londres (1973) El Maestro Talmi es Doctor Honoris Causa por la Universidad Laval en Québec (Canadá)

Talmi ha grabado para los sellos CHANDOS (Londres), NAXOS, TELDEC (Alemania), EMI (Londres), PRO-ARTE (EEUU), CBC Records (Canadá), ATMA y ANALEKTA (Montreal) y DECCA (Francia).

Su grabación de la versión completa de la Novena Sinfonía de Bruckner con la Filarmónica de Oslo ganó el prestigioso “Grand Prix du Disque” en Paris. Su grabación con la Sinfónica de Quebec de French Show-Pieces (violinista: James Ehnes) fue elegido “Disco del Mes” por la revista francesa especializada “Repertoire”, y ‘CD of the Week’ por la revista Observer Review de Londres (Marzo 2002). Su grabación de Schoenberg y Tchaikovsky con la Israel Chamber Orchestra (TELDEC) fue elegida “grabación del mes” por la revista alemana ‘Fono-Forum’.

Sus grabaciones con la Sinfónica de San Diego (NAXOS) incluyen obras de Berlioz como : The Symphonie Fantastique, todas sus Oberturas, ‘Romeo et Juliette’, ‘Harold in Italy’, ‘Reverie et Caprice’, ‘Les Troyens’.

Yoav Talmi también ha hecho grabaciones acompañando al piano a su esposa, la flautista Er’ella Talmi.

En Julio de 2008 le fue otorgado el premio “Frank Pelleg” por el ministerio de cultura de Israel, por su gran nivel artístico a lo largo de los años, y en agosto de 2008 recibió la medalla de la ciudad de Quebec por su contribución a las celebraciones del 400 aniversario de la ciudad de Quebec.

Horacio Lavandera (1984) con 16 años, ganó el III Concurso Internacional de Piano Umberto Micheli, en el Teatro Alla Scala de Milán, y la Orquesta Filarmonica della Scala lo premió como “Mejor Intérprete de Piano y Orquesta”.

Desde ese momento recorre los más importantes escenarios de América, Europa y Japón. Ha actuado en el Teatro Colón (Buenos Aires), Auditorio Nacional (Madrid), Radio France (París), Wigmore Hall (Londres), Herkulessaal (Munich), Jordan Hall (Boston), Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Roma), Hamarikyu Asahi Hall (Tokio), y junto a prestigiosas orquestas: Mozarteum de Salzburgo, Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española, London Chamber Players, Orquesta Sinfónica Ciudad de Oviedo, Orquesta Metropolitana de Lisboa, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Filarmónica de Buenos Aires, Orquesta Estable del Teatro Colón, Orquesta Sinfónica Nacional. Fue dirigido por notables maestros: Charles Dutoit, Antonio Pappano, Bemjamin Zander, Christopher Wilkins, George Pehlivanian, Anton Nanut, Martin Sieghart, Arthur Fagen, Terje Mikkelsen, Michael Zilm, Theo Alcántara, Pedro I. Calderón. Günter Neuhold, David Murphy, Franz-Paul Decker, Jorge Rotter, Adrian Leaper …

Periódicos de Europa han titulado: “Manos de oro de un joven prodigio” (Le Monde, Paris); “Horacio, joven prodigio” (Il Corriere Della Sera, luego de su presentación en el Teatro alla Scala de Milan); “Horacio Lavandera ha fascinado al público de la Scala tocando el concierto en Sol de Ravel” (La Reppublica, Milán); “Desde el primer minuto quedό claro que este joven de 17 años toca el piano brillantemente” (Süddeutsche Zeitung, Munich), “Lavandera ha apabullado con su impecable articulación, exacto toque, diáfano discurso, exacta dinámica, sorprendente concentración e infalible memoria, haciendo uso de un virtuosismo aplicado con inteligencia” (ABC, Madrid). “Horacio Lavandera acreditó unas extraordinarias dotes de virtuoso del piano además de un sentido interpretativo de primer orden. Su actuación fue de gran relieve y acogida con éxito unánime” (EL Mundo, España, tras su concierto en el 59 Festival Internacional de Santander).

Entre sus premios se cuentan “Festivales Musicales 1999”, “Revelación Clarín 2002”, “TOYP Argentina 2004”, “Primer Palau 2004”, “Mejor interpretación de pieza original” (Cursos Stockhausen ‘04). Diploma al Mérito de la última década de la música clásica argentina en la edición 2009 de los Premios Konex y dos veces fue considerado el “Mejor Solista Instrumental Argentino”, por la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina. Abarca un repertorio que va desde el barroco a la música contemporánea. Su compromiso con la música actual lo ha llevado a colaborar con los más grandes creadores de nuestro tiempo, como los maestros Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez, Luis de Pablo, Connesson, Antón García Abril, Joan Guinjoan, Atsuhiko Gondai, Herbert Willi, Alberto Bernal, Marlos Nobre, entre otros, y a estrenar innumerables obras, que en muchas ocasiones han sido inspiradas en su interpretación y le han sido dedicadas por Gabriel Senanes, Fabián Panisello, Esteban Benzecry, Tomás Marco.

Sus interpretaciones han sido difundidas en emisiones radiofónicas y televisivas en diversos países. Tiene seis producciones discográficas: “Debut”, “Youth Orchestra of the Americas”, “Three B`s”, “Live Japan”, “Compositores Españoles de la Generación del 51” y CD/DVD “Compositores Argentinos” grabado por SONY MUSIC/ Calle Angosta. Estudia dirección orquestal con el Maestro Rotter, profesor de la Universidad Mozarteum de Salzburgo y realiza estudios de composición con el Maestro Alberto Posadas (IRCAM - París).

La crítica y la audiencia coinciden en destacar al Maestro Mintz como uno de los más importantes violinistas de nuestro tiempo por su impecable musicalidad, su versatilidad y técnica portentosa.

Shlomo Mintz es invitado regularmente por las mejores orquestas del mundo siendo muy valoradas sus interpretaciones de los conciertos de Mozart y de Tchaikovski, y como solista actúa en los ciclos más importantes de recitales y música de cámara.

Ha sido galardonado con numerosos premios internacionales como Premio Accademia Musicale Chigiana, el Diapason D’Or, el Grand Prix du Disque, el Gramophone Award y el Edison Award. Desde 2004 graba para el sello discográfico AVIE Records, de Londres.

Nacido en Moscú en 1957, dos años después emigró con su familia a Israel donde estudió con Ilona Feher. Con once años hizo su debut con la Israel Philarmonic Orchestra. Con dieciséis años debutó en el Carnegie Hall se produjo junto a la Pittsburgh Symphony y posteriormente comenzó sus estudios con Dorothy DeLay en la Juilliard School of Music.

A la edad de dieciocho comenzó su andadura como director de orquesta y desde entonces ha dirigido las mejores orquestas del mundo, convirtiéndose en director musical de la Orquesta de Cámara de Israel y director musical y director principal invitado de la Maastricht Symphony.

Shlomo Mintz es director principal invitado en la Zagreb Philarmonic Orchestra desde 2008, actividad que compagina con su intensa actividad como solista.

El Maestro Mintz es uno de los fundadores del Keshet Eilon International Violin Mastercourse de Israel y ofrece master clases regularmente por todo el mundo.

Ha sido jurado de importantes concursos internacionales incluyendo el Concurso Tchaikovsky de Moscú, y el Queen Elisabeth de Bruselas y ha sido presidente del jurado del Concurso Internacional Henryk Wieniawski en Polonia.

Desde 2002 es presidente del jurado del Concurso Internacional Sion Valais de Suiza.

Anne Akiko Meyers, está considerada una de las mejores concertistas contemporáneas de violín del mundo.

La renombrada solista, que ha grabado discos y además de ser especialista en música de cámara se destaca como docente, ha actuado en todo el continente americano, Asia, Australia y Europa. Ha llegado a grandes audiencias estrenando obras inéditas, escritas para ella, y ha difundido trabajos poco conocidos en su permanente búsqueda que contempla la experimentación y el intercambio abierto.

Comenzó sus estudios a los 4 años, y a los 7 hizo su debut con la orquesta local para pasar, a la corta edad de 11 años, a escenarios de relevancia nacional como cuando interpretó junto a la Filarmónica de Los Ángeles. Al año siguiente, debutó en la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta. Al poco tiempo, comenzó a dar conciertos en Estados Unidos, Japón, Australia y Europa, y al momento en que se lanzó su primer disco de los conciertos para violín de Barber y Bruch, a sus 18 años, Anne ya era reconocida como una de las estrellas de su generación.

Fue elegida para estrenar diversas obras de compositores tales como David Baker, Mason Bates, John Corigliano, Karl Amadeus Hartmann, Jennifer Higdon, Olivier Messiaen, Akira Miyoshi, Arvo Part, Manuel Ponce, Somei Satoh, y Joseph Schwantner.

Su extensa discografía está disponible en grabaciones editadas por los sellos discográficos Avie, BMG/Sony, Canyon Classics, Camerata, Hyperion, Koch, Naxos y Warner Classics.

Esta temporada, las fechas internacionales incluyen actuaciones con la Sinfónica de Birmingham del Reino Unido, un regreso a la BBC con la Sinfónica de Escocia y una gira por Polonia y España con el Concerto de Karlowicz. Recientemente, la concertista trabajó junto a la leyenda del jazz Wynton Marsalis, que compuso para ella nuevas cadenzas sobre el concierto para violín en sol mayor de Mozart. Anne acaba de realizar una gira por Japón donde ejecutó ‘En Passant’ de Akira Miyoshi y el Concerto de Mendelssohn, junto a la Filarmónica de Japón en el Suntory Hall; también tocó ‘Serenade’ de Bernstein en el Pacific Music Festival de Sapporo, celebrando el 90 aniversario del nacimiento del fallecido maestro Bernstein.

La admirada violinista ha sido invitada regularmente para presentarse junto a algunas de las orquestas y en los escenarios más prestigiosos, entre los que podemos mencionar el Carnegie Hall, el Hollywood Bowl, el Tanglewood, la Sinfónica de Boston, la orquesta Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, l'Orchestre de París, la Orquesta de Minnesota, la Sinfónica de Montreal, la Filarmónica de Moscú, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Filadelfia, la Royal Concertgebouw Orchestra, la Orquesta Filarmónica Real de Londres, la Orquesta de la Radio de Suecia, la Orquesta Sinfónica de Sidney, la Sinfónica NHK de Tokio, la Sinfónica de Toronto y la Sinfónica de Viena.

Anne Meyers nació en San Diego, California y se crió en Los Ángeles antes de mudarse a Nueva York. Estudió con Alice y Eleonore Schoenfeld en la Colburn School of Performing Arts, con Josef Gingold en la Universidad de Indiana, y con Felix Galimir, Masao Kawasaki y Dorothy DeLay en la Academia Juilliard. A los 23, recibió la prestigiosa beca Avery Fisher Career Grant, y fue la única oportunidad en que dicha beca anual se otorgó a un único artista.

Recientemente, se ha convertido en la primera violinista en ser nombrada Miembro del Consejo Rector de la Universidad de California, en Los Ángeles. Como participante activa en los programas de extensión cultural y difusión a la comunidad tanto en Estados Unidos como en Japón, Anne disfruta dando masterclasses, ha sido panelista en el Simposio Starling-DeLay llevado a cabo en Juilliard y es miembro del jurado en numerosos concursos.

Anne toca con el violín Rey de España de Antonio Stradivarius que data de 1730, llamado así por pertenecer en su momento al Rey de España.

Al llegar a Francia cuando todavía era niño, Tedi Papavrami empezó a descubrir un país y una cultura que le eran totalmente desconocidos. Su curiosidad natural, la necesidad de adquirir un dominio de la lengua francesa para poder hacer de ese país el suyo, y la gran soledad que sintió al principio, le impulsaron a leer un elevado número de libros en francés: Stendhal, Proust, Flaubert, Dostoyevski, Chéjov, Kafka……

Ése es uno de los aspectos que destacan de este intérprete excepcional: su curiosidad, que le lleva a ir más allá de las fronteras del mundo de la música, junto con unas exigencias intelectuales y artísticas que le permiten atravesar las distancias entre su país de origen y otros horizontes. Así, después de que falleciera el traductor albanés Jusuf Vrioni en el año 2000, Tedi Papavrami asumió la labor de seguir traduciendo al francés la obra de Ismail Kadare, al cual había conocido en Albania durante su niñez. Así mismo, esa incursión en el mundo literario se convirtió para él en un medio “de existir profesionalmente por primera vez fuera del violín”.

El arte de tocar el violín, que desde siempre ha formado parte de su vida, le fue transmitido a la edad de cinco años por su padre, brillante profesor con una larga experiencia en la pedagogía de los instrumentos de cuerda. Los progresos de Tedi fueron asombrosos: tres años después ya era capaz de tocar en público los “Aires gitanos” de Sarasate, acompañado por la Orquesta Filarmónica de Tirana. A los once años tocó el Concierto No. 1 para Violín de Paganini con la virtuosa cadencia de Émile Sauret.

En 1982, Albania seguía siendo un país que había cortado voluntariamente sus contactos con el mundo exterior. Así, fue una extraordinaria coincidencia que el flautista Alain Marion se encontrara allí de paso para dar un concierto. Impresionado al oír tocar al joven virtuoso, le ofreció una beca del gobierno francés para que se fuera a estudiar al Conservatorio Nacional Superior de París, donde fue admitido como alumno de Pierre Amoyal. El siguiente período estuvo marcado por sus apariciones en emisiones de televisión de gran audiencia como Le Grand Echiquier, junto con otras actuaciones en conciertos.

Tedi terminó sus estudios a la edad de 15 años, y a partir de entonces siguió su desarrollo musical e instrumental por su cuenta. Después de haber ganado varios primeros premios, Tedi emprendió una carrera como solista y músico de cámara. En 2003 la actriz Jeanne Moreau le conoció en un estudio de televisión y le recomendó para interpretar el personaje del violinista Danceny en un telefilm de Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos, al lado de los actores Catherine Deneuve, Rupert Everett y Nastassja Kinski, bajo la dirección de Josée Dayan. Tedi vive hoy en Ginebra, donde fue nombrado profesor de violín en el Conservatorio Superior en septiembre de 2008.

Actualmente, su agenda se reparte entre el violín, la música de cámara (es miembro del “Cuarteto Schumann”, una formación musical con piano), la traducción, el deporte, la enseñanza y la transcripción para violín de obras originalmente escritas para clavecín o para órgano (que publica en las ediciones Ries & Erler en Berlín).

Clemens Hagen nace en Salzburgo en el seno de una familia de músicos. Empezó a tocar el cello con seis años y dos años después era alumno en el Mozarteum de Salzburgo, posteriormente pasó a estudiar en el Conservatorio de Basilea con Wilfried Tachezi y Heinrich Schiff. En 1983 recibió el Premio Especial de la Vienna Philharmonic Orchestra y el Premio the Karl-Böhm Award.

Clemens Hagen ha tocado con las principales orquestas, incluyendo la Berlín Philharmonic, Vienna Symphony Orchestra, Concertgebouw Orchestra, Camerata Academica de Salzburgo, Radio Symphony Orchestra de Freiburg (SWR), Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Chamber Orchestra of Europe, NHK Orchestra Tokyo y la Cleveland Orchestra. Ha trabajado con directores como Claudio Abbado, Sylvain Cambreling, Daniel Harding, Nikolaus Harnoncourt, Manferd Honeck, Ingo Metzmacher, Horst Stein y Franz Welser-Möst.

Además de sus recitals a solo y sus muchos conciertos con el Hagen Quartet, cada temporada suele hacer música de cámara con Martha Argerich, Gidon Kremer, Oleg Maisenberg, Paul Gulda y András Schiff.

Entre sus grabaciones podemos encontrar las Sonatas para Cello de Beethoven junto a Paul Gulda para JVC Records,y el Doble Concierto de Brahms con Gidon Kremer y la Concertgebouw Orkest bajo la dirección de Nikolaus Harnoncourt para Teldec.

Clemens Hagen toca con un cello de Antonio Stradivari de 1698.

Nacido en el Principado de Andorra en 1951, de padres catalanes exiliados, Lluís Claret empieza los estudios musicales a los 9 años.

Su futuro musical quedará fuertemente marcado por el contacto con grandes profesores como Maurice Gendron, Radu Aldulescu y Enric Casals (hermano de Pau Casals) quien, sin ser violonchelista, fue durante años su principal consejero musical en Barcelona.

Sus encuentros con György Sebök, Eva Janzer y Bernard Greenhouse también han sido determinantes en el desarrollo de su personalidad artística.

Después de ganar los Concursos Pau Casals (1976) y Mstislav Rotropovitch (1977), la proyección internacional de su carrera le lleva a actuar en las principales capitales de Europa, América y Asia, invitado por orquestas como la National Symphony de Washington, Filarmónica Tcheca, English Chamber, Orchestre National de France, y otras formaciones de Tokyo, Seoul, Dűsseldorf, Stuttgart,Bamberg, Moscu, Madrid, Barcelona...bajo la dirección de Vaclav Neuman, Mstislav Rostropovitch, Pierre Boulez, Karl Műnchinger, Dmitri Kitaienko, Sakari Oramo y George Malcom, entre otros.

La música de cámara y la pedagogía son parte importante e indispensable en la actividad profesional de Lluís Claret.

Fundó el Trio de Barcelona (1981-1993), forma dúo con el pianista Josep-Maria Colom y colabora a menudo con otros intérpretes de prestigio en Festivales como Kuhmo, Naantali, Ernen, L'Epau," Pablo Casals" de Prades, Granada o Seoul.

Es profesor de la Escola de Musica "Victoria dels Angels" de Sant Cugat (Barcelona) y del Conservatorio de Toulouse (Francia) e imparte también Master Clases en Francia, Portugal, Bélgica, Italia, Estados Unidos, Japón y Corea. Junto a Bernard Greenhouse dirige un seminario anual en la Abadía de Fontfroide (Francia).

Regularmente, Lluís Claret es invitado a formar parte del Jurado de Concursos Internacionales (Rostropovitch-Paris, Leonard Rose-Washington, Pablo Casals-Kronberg, Paulo-Helsinki, Adam-Nueva Zelanda,...) y preside el Concurso Internacional "Lluís Claret-Ciudad de Moguer" (España).

El interés por la música de su tiempo le ha llevado a trabajar en contacto directo con Henri Dutilleux, Witold Lutoslawski, Kristoff Penderecki, Joan Guinjoan, Iannis Xenakis y Pierre Boulez.